具体美術協会の田中敦子のエネルギー

具体美術協会の田中敦子の絵画作品

田中敦子 作品
田中敦子 作品

日本の前衛美術の具体美術協会の田中敦子は、個性が強い作品で圧倒されます。

1954年にひょうご県芦屋市に誕生した具体美術協会。そのメンバーとして強烈な個性の中で、田中敦子の作品は、今も十分なインパクトのがあると感じます。

田中敦子 作品
田中敦子 作品

丸い形と曲線が絡み合い、濃厚な表現で迫ってくる作品である。

色は昭和の臭いを感じるけれど、表現の強烈さは、時代を超えた力強さを感じます。

田中敦子 作品
田中敦子 作品
見ていると、まるで電機の配線のコードのように見える。
機械的な電気コードの赤や黄色の色と、コードの絡み合うくねくねした様子が、濃厚な生命力を感じるのです。
田中敦子 作品
田中敦子 作品

田中敦子は電気服が有名で、そのインパクトはすごいですが、絵画もパワーを十分感じさせます。

田中敦子 絵画作品
田中敦子 絵画作品
田中敦子 電気服 1956
田中敦子 電気服 1956
田中敦子 電気服 1956
田中敦子 電気服 1956
田中敦子 絵画作品
田中敦子 絵画作品

白髪一雄 足で描く絵 具体美術協会

白髪一雄は、1960年代の関西の具体美術協会のメンバーでした。足で描く絵が強烈です。

白髪一雄 作品
白髪一雄 作品 1960年代

具体美術協会は、関西を中心に集まった前衛美術グループで、吉原治良をリーダーとして、「誰もやったことがない美術をやる」というコンセプトで作品を発表しました。

白髪一雄 絵画
白髪一雄 絵画
吉原治良 作品
吉原治良 作品
田中敦子 電気服
田中敦子 電気服 1957

田中敦子の電気服がインパクトがありました。電気に感電するんじゃないか?という恐怖があります。

過激な作品が発表されて、具体美術協会は関西の前衛集団として今でも評価が高いです。

田中敦子 電気服
田中敦子 電気服 1956
白髪一雄 「超現代三番
白髪一雄のパフォーマンス1957年 
白髪一雄の作品
白髪一雄の作品
白髪一雄の作品は絵の具を床のキャンバスに落とし、天井からつるした紐につかまって、足で絵の具を蹴散らして描いたものです。
白髪一雄の制作写真
白髪一雄の制作写真
白髪一雄の制作風景
白髪一雄の制作風景

白髪一雄の制作風景が、インパクトがあり、作品よりもパフォーマンスとしてユニークでした。

テレビで見た時の驚きは、凄かったです。

絵の具の塊を床にボトッと落とすのです。何色か落として、天井からつるした紐につかまります。

そしてはだしの足で、絵の具を蹴散らし、激しい絵の具の抽象画面が完成します。

書道のような、一瞬の足の滑り具合で筆のようなタッチが出来ます。
白髪一雄の作品
白髪一雄の作品

足で描いたものなので、絵の具が盛り上がっていて荒々しさがあります。

 

元永定正の作品
元永定正の作品

以前に元永定正の作品の、灼熱の太陽の光に挑戦する作品を紹介しました。

具体美術協会は関西のユニークな団体だったので、今でも海外から高く評価されています。

白髪一雄の作品も、足で描くパフォーマンスで有名になったのでした。

スゥ・ドーホーの半透明の布の彫刻

韓国のアーティストのスゥ・ドーホーの半透明の布の彫刻は、不思議な魅力があります。

スゥ・ドーホー作品
スゥ・ドーホー作品

大きな作品であっても、半透明なので、存在感が柔らかく、圧倒的な威圧感が感じません。

スゥ・ドーホー作品
スゥ・ドーホー作品

色も透明感があり、爽やかな印象で、材質が布なので、硬い印象も感じません。

しかし、形は直線が多くて、一見すると物の頑丈さをきちんと出しています。

天井から吊るした様な展示に見えて、重さも感じないので、浮いているような軽さもあります。

実態がはっきりしない一種の曖昧な存在がこの彫刻を印象付けています。

スゥ・ドーホー作品
スゥ・ドーホー作品

布の作品なので、すぐに折りたたみでき、持ち運びできる便利さもあります。

不思議な要素の多い彫刻で、現代美術の作品で新鮮な印象を感じる作品と言えます。

スゥ・ドーホーは、1962年韓国生まれのアーティストでアメリカで博士号を取得。

エリート美術家と言えるでしょう。

スゥ・ドーホー作品
スゥ・ドーホー作品

言葉のアート ジェニー・ホルザー 

美術は視覚芸術なので、普通は美しさがないと美術作品とは言えないのに、言葉のアートというものが存在します。

ジェニー・ホルザー作品
ジェニー・ホルザー作品 1987 「トゥルーイズム」から

言葉のアートのジェニー・ホルザー作品は、言葉の響きとその言葉の意味でアートになった作品と言えます。

写真の作品は、1988年のトゥルーイズムという格言風の作品の一つです。

野球場の電光掲示板のスコアの下に出現する作品です。

大リーグの野球の試合の盛り上がっている時に、「大いなる情熱を抱けなければならない」というフレーズが突然、表示されるのです。

球場の聴衆は、何が起こっているのかと戸惑い出すのです。

言葉の突然の提示に聴衆が戸惑うという違和感が、ホルザーの狙いなのでしょう。

ジェニー・ホルザーはアメリカ出身の美術を基本から学んでいない異色の経歴の女性アーティストです。
美術を学ぶよりも、歴史の偉人の本から学んだ一種の言葉の知識のインパクトがアートになっているのです。
ジェニー・ホルザー作品
ジェニー・ホルザー作品

「すべての人の仕事が等しく重要である」というフレーズの作品は、職業の平等性を訴える作品になっています。

この短い格言ふうの言葉が、頭に突き刺さってくるような効果があります。

 

ジェニー・ホルザー作品

ジェニー・ホルザー作品 1988年 サヴァイヴァルシリーズ「私の欲望から守って」というフレーズの作品は、資本主義への皮肉と言えるアメリカらしい作品になっています。

現在でも様々な試みをしているアーティストです。

ジェニー・ホルザー作品
ジェニー・ホルザー作品

電光掲示板自体を室内に展示する作品。

ジェニー・ホルザー作品
ジェニー・ホルザー作品

2001年ベルリンでの作品。

ジェニー・ホルザー作品
ジェニー・ホルザー作品

 

ダン・フレイヴァンの ネオン管アートの光

ダン・フレイヴァンは、ネオン管を使ったアートで、美しい光の作品で知られています。

ダン・フレイヴァン作品

1960年代の単純なかたちの繰り返しによる表現の、ミニマルアートと言われるシンプルなネオン管の作品で知られています。

ダン・フレイヴァン作品

抽象表現主義のポロックやマーク・ロスコなどのアメリカ中心の美術運動が、ポップアートや、ミニマルアートに変わっっていきました。

絵画という抽象世界から、ポップアートのオブジェというもの、や軽い物体になって、ネオン管の表現のブルース・ノーマンのような日用品のものが美術に取り入れられるようになります。

ブルース・ノーマン作品

色をつけられたネオン管で、単なる照明器具を、きれいに並べる事で、単純な美しさを表現しました。

ブルース・ノーマン作品
ネオン管で文字の形にしたりして、発展していきました。
生と死 1984
生と死 1984

 

ブルース・ノーマン作品
作品は、照明器具なので、部屋を暗くしなければならないのが、ユニークな効果を出す事にもなり、新鮮でもありました。

ミニマルアートの単純な形から発展して、文字や、具体的な人体のネオン管にまで発展して行き、アメリカの新しい照明を使ったアートとして、今でもユニークな地位を確立しています。

照明の色彩の美しさと、具体的な人体の形の、線の美しさを発展させたブルース・ノーマンのネオン管の作品は、今でもミニマルアートの代表的な存在感を持っています。

フィリップキングの彫刻のプラスティックの素材のユニークさ

フリップキングはイギリスで活躍した彫刻家で、質感や形のユニークさがあります。

ジンギスカーン 1963年 プラスティック
ジンギスカーン プラスティック 1963年

プラスティクという材質の軽さと形のユニークさで、独自の魅力を持っていて、アンソニー・カロに負けないイギリス彫刻の個性があります。

ペイントX プラスティック 1965年
ペイントX プラスティック 1965年

色で塗られたプラスティックが面白い質感を出して居ます。

バラの蕾 ファイバーグラスと木 1965年
バラの蕾 ファイバーグラスと木 1965年

色も薄いピンクなどデリケートな色彩で、材質もファイバーグラスというプラスティックのような軽い材料を使って居ます。

アンソニーカロが鉄の硬さを表現しているのに対して、フィリップキングはプラスティックやファイバーグラスの軽さを感じさせます。

柔らかさがある彫刻だと感じます。

「通って」 フィリップキング  プラスティックの彫刻
「通って」 フィリップキング  プラスティックの彫刻
この作品も形と色が面白いです。プラスティックやファイバーグラスの柔らかさと、少し表面がデコボコしているところが人間的で、鉄のような冷たさがありません。

フィリップキングは、あまり日本では知られていないので紹介させてもらいました。日本でも展覧会をやったことがあるのですが、まだ知名度がなく、作品の魅力をもっと知って欲しかったです。

 

マーク・ロスコのハーバード大学にあるホリヨークセンターの食堂壁画は、3枚の絵の構成がユニークで好きです。

マーク・ロスコの絵は、色彩に目が行きがちですが、構成のユニークさを感じて好きなのは、ハーバード大学のホリヨークセンターの食堂壁画です。

ハーバード大学 ホリヨークセンターの壁画 ロスコ 1962
ハーバード大学のホリヨークセンターの壁画 ロスコ 1962

3枚の絵をつなげて、横長の壁画に見せています。

初めて見た時は、変わった構成の絵だな、と思い、その黒い絵の中心から広がる構成に感動しました。

大学の食堂なので、ゆっくり観賞する場所ではないのですが、3っつの色の組み合わせもユニークだし、横にひたすら長い絵の魅力を感じました。

抽象表現主義の絵画は、6、7メートルある絵は、やはり珍しい作品の部類でしょう。

しかも、ロスコは3枚の絵をつなげているので、その繋げるという解決方法に、合理的だな、という感想を感じました。

他の抽象表現主義者は、はじめから横長の絵を考えて描いています。

ロスコのずるさというか、合理的すぎる性格がわかり、親しみを感じてしまいます。
真面目な画家が多かった抽象表現主義者ですが、ロスコのずるさを感じて、親しみが沸いた絵として、ホリヨークセンターの壁画を取り上げて見ました。

バーネット・ニューマンの初期の絵画から理論的説明の絵画への転換

ジェネシス

バーネット・ニューマンの初期の絵画は、まるで生物の細胞の動きのようで、あの有名な縦のストライプの洗練された絵画とはあまりにもかけ離れている。

 

ニューマンが絵画に取り組んだ頃、アメリカの美術は古典的な風景画の世界で、ヨーロッパのシュールレアリズムの前衛的世界とはあまりにも違い、のどかな世界だった。

ニューマンの他、新しいアメリカ美術を作り出そうという画家たちロスコ、ポロック等は様々な試みに悪戦苦闘する事になるのである。

ニューマンの初期の絵の「ガイアへ」などは、あまりにもまだ原始的で未完の模索の習作の域を出ない。

ガイアへ
ガイアへ

しかし題名には初期からこだわりを持ち、タイトル「ユークリッドの死」などはニューマンの論理的な思考を既に感じさせるもので、独自の個性が見える。

ユークリッドの死
ユークリッドの死

マーク・ロスコや、ポロック、デ・クーニングなどの画家とは違う論理的思考で既に絵画を模索していたのだ。

あのクールな画面のアド・ラインハートでさえも、アメリカの雑誌の仕事がらか、美術史の漫画を描いた軽さがあった。

ニューマンほど画家らしい遊びの部分がないストイックで知的な画家はいなかった。スピノザへの傾倒や鳥類学、地質学などに興味を持っていた広い探究心がある。

政治家への立候補もしている。もちろん当選する気持ちはなかった。

あの有名なストライプの単純な画面の言わば誰でも描ける技術の必要ない絵で、ポロックや、ロスコと議論するにはかなりの理論武装が必要だったに違いない。

知的で哲学的な深さをもったニューマンの絵画を、どう他人に理解させるか、苦労したに違いない。

タイガースアイという雑誌の論文にニューマンは論文を書いたし、

「プラズマ的イメージ」という論文ではギリシャ時代の美術のエネルギーを称えて自分の絵画を必死に説明もしている。

本当に論理的に説明に難解な語り口で苦労のあとが見える。
初期のまだ画家らしいあやふやな部分のある絵を見ると、少し、ほっとするのである。

ニューマンの近寄りがたい冷たい知的な画面も、初期は、もっと人間的なあいまいな部分が見えて、親近感がわくのである。

ニューマンの白黒の世界、「十字架の道行き」は、人間の世界を越えてしまった究極の形而上としか説明できない謎の世界なのである。
十字架の道行き

アメリカ美術の最初のヨーロッパを越えたターニングポイントだったのである。

リチャード・プーセットダートのアメリカ人のインディアンパワー

リチャード・プーセットダートの絵はアメリカ人のインディアンのエネルギーを感じる。

プーセットダートの絵画
プーセットダートの絵画

リチャード・プーセットダートは、抽象表現主義の画家です。

アメリカの初めての現代美術を生んだ重要な運動に関わっています。

プーセットダートの絵画
プーセットダートの絵画

人間の原始的な本能に訴えかける絵に見えます。

プーセットダートは両親が芸術に関わっていたアーティストで、本能的に芸術家肌のアーティストタイプです。

アメリカインディアンのトーテムポールや砂絵にヒントを得て制作しています。

画面から感じるパワーは、インディアンの原始的な生命力を思わせます。

激しい感情が渦巻いているようです。

プーセットダートの絵画
プーセットダートの絵画

この動物的なグロテスクな絵画は、圧倒されます。

マーク・ロスコやバーネット・ニューマンよりも、クリフォード・スティルやアーシル・ゴーキーのような荒々しさを感じます。

ジャクソン・ポロックもインディアンの砂絵からヒントを得て、キャンバスを床に置いて描いています。

プーセットダートの絵画は、荒々しさが魅力の抽象表現主義の画家の存在感を今でも感じさせます。

現代のクールな洗練された美術スタイルとは、対照的な野生のエネルギーを感じさせ、現代人に元気をくれる存在だと感じます。
プーセットダートの絵画
プーセットダートの絵画
リチャード・プーセットダート
リチャード・プーセットダート

ローゼンクイストの「成長計画」の絵の不安感の驚き!

1985年にジェームス・ローゼンクイストの作品「成長計画」を美術手帖という雑誌で見た。

成長計画 1966年 ローゼンクイスト
成長計画 1966年 ローゼンクイスト

この少年達の直立したポーズと、こっちを向いている集団の絵に驚いた!

まだ美術を始めたばかりの20歳の頃で、写実の絵しかわからなかった。

この絵は写実で、しかも現代的なオーラを感じて、現代的に見えて引き込まれた。

ローゼンクイストというポップアートの画家で、アンディ・ウオーホールは知っていたが、不思議な魅力があった。

1985年の頃は、まだバブルの時期は来ていないし、明るい音楽が流行っていて、ロックではザ・ポリスやクイーン、マイケル・ジャクソンもソロでそれほど売れていない頃だった。

まだ伝統のアメリカの良き時代で、健全な文化だった。

初めてオリビア・ニュートンジョンのフィジカルというプロモーションビデオでエッチな歌詞に驚いていた。

その後はマドンナなどが過激な歌詞を歌い、アメリカも開放的になっていった。

85年ごろはまだ、未来が明るいと誰もが感じていた頃で、このローゼンクイストの「成長計画」という絵は、明るいのになぜか不安な気持ちにさせる作品だった。

その後自分はエゴン・シーレやクリムトの作品に惹かれていって、暗い作品が好きなのが実感したきっかけの作品だったのだ。

20歳前後は誰でも希望と不安が入り混じった時期で、その不安感がピッタリハマった作品だった。

ローゼンクイストはそもそもポップアートの明るい作品の作家だが、この作品のどこか不安にさせる明るい冷たさに惹かれたのだった。

他の作品は明るすぎて好きにはなれなかった。

自分は昔から暗い作品に惹かれるのは、この作品で実感したのだった。